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Comptes rendus d'ouvrages

Ethnocentrisme et Création, Annie Dupuis, éd. (avec la collaboration de Jacques Ivanoff)

Paris : éditions de la Maison des Sciences de l’Homme (FMSH), 2014, 541 p., cahier photographies couleur, illustrations (dessins au trait), schémas, cartes, notices auteurs
Antonio Guerreiro
p. 176-180
Référence(s) :

Annie Dupuis, éd. (avec la collaboration de Jacques Ivanoff), Ethnocentrisme et création, Paris : éditions de la Maison des Sciences de l’Homme (FMSH), 2014. 541 p., cahier photographies couleur, illustrations (dessins au trait), schémas, cartes, notices auteurs.

Texte intégral

1Cet épais volume constitue les actes d’un colloque organisé par l’équipe de recherches « Techniques et Cultures » du CNRS en 2006. C’est Annie Dupuis, africaniste, qui s’est chargée de l’édition et de la mise en forme des communications avec l’assistance de Jacques Ivanoff, spécialiste de l’Asie du Sud-Est. Le livre prend pour objet les questions liées à la création artistique et à l’esthétique dans les arts non occidentaux, les arts plastiques, le rituel et les arts de performance (danse, chant et musique). Après la présentation des 28 contributions par Annie Dupuis (p. 11-33), la problématique de l’ouvrage pose une grille thématique en six grandes parties, dans lesquelles elles se répartissent :

  1. Discours et regards (p. 37-128) ;
  2. Espaces de la création (p. 131-219) ;
  3. Oralité et expression esthétique (p. 223-293) ;
  4. Tradition et création (p. 297-391) ;
  5. Innovation ou ruptures (p. 395-491) ;
  6. Enfance et création (p. 495-530).

2Les parties sont équilibrées, à l’exception de la dernière, moins développée, avec seulement deux articles. Peut-être le fil conducteur des parties aurait-il gagné à être indiqué par un chapeau spécifique ? Mais la présentation de Dupuis explicite la thématique générale et introduit en même temps les articles clés de chaque section en accord avec les thèmes. Le but avoué de l’ouvrage est de composer « une théorie générale de l’historicité de l’art et de ses produits ». La contribution de Dupuis qui suit immédiatement, intitulée : « Arts traditionnels et histoire(s) », reprend les questions de fond liées à la perception et aux représentations des arts extra-occidentaux et plus particulièrement africains, à la fois par rapport à l’approche anthropologique de l’art, par rapport à la notion « d’art et de création », et par rapport aux institutions muséales impliquées dans leur exposition en Europe ou aux États-Unis (p. 37-60). Elle insiste à juste titre sur la contextualisation historique et culturelle indispensable à la compréhension de ces arts reposant sur des principes autochtones afin d’éviter de les réduire à leur matérialité pure d’après un prisme ethnocentrique. L’auteur revient sur les travaux publiés depuis les années 1980 qui ont reformulé la question du « primitivisme et de la création » en Occident et en rapport au reste du monde, ainsi que la subjectivité dans la perception des œuvres (Rubin 1984, Rhodes 1997). Elle souligne le statut de l’artiste, plus généralement du créateur et des audiences au sein des sociétés, ici et ailleurs. Questions essentielles souvent laissées de côté. Les aires culturelles représentées dans le volume sont l’Afrique, les Amériques, l’Asie du Sud-Est, le monde insulindien et l’Océanie. Tandis qu’un seul article interroge le marché de « l’art tribal » en Occident et les savoirs qui y circulent à propos des œuvres non occidentales, construits autour des notions de « beau » et « d’authentique » (S. Roth, 82-100).

3Un point fort du volume consiste à lier les arts plastiques et les arts de performance au sens large – ils relèvent souvent de l’oralité dans ces sociétés – en y intégrant les développements au sein d’un continuum du « traditionnel au contemporain », de la production à l’exposition. Les articles font une large place aux créateurs, anonymes ou non, réalisant des œuvres autochtones conçues pour des audiences particulières. Ils permettent de penser de front la création artistique au sens large et ses transformations dans une perspective dynamique, bousculant la notion d’une « tradition immuable ». Le changement dans la durée ainsi que les influences réciproques entre l’Occident et ces sociétés construisent de nouveaux paradigmes esthétiques, documentés dans le volume. L’approche des auteurs rafraîchit les travaux publiés sur ce thème depuis les années 1990 (Corbey 2000, Coute & Shelton 1994, Schefold & Va Vermeulen 2002, Smidt & Ter Keurs 1990, Thomas 1991). Ils permettent de déconstruire les regards et les discours ethnocentriques sur « l’art primitif » puis « non occidental », qui formerait une exception au sein de l’histoire par son a-historicité. En bref, les arts étiquetés comme « primordiaux », considérés comme les témoins d’une permanence singulière. En passant, les articles interrogent aussi de manière dialectique les notions de « culture » et de « modernité », au sein des sociétés non occidentales de l’ère post-coloniale. Une approche originale qui permet de saisir à la fois les conditions de la production des œuvres, les savoir-faire et les matériaux utilisés, de l’homo faber à « l’homme créateur ».

4Parmi les contributions les plus originales, il faut citer celle de Jacques Lombard, consacrée aux « images intérieures » à la création plastique à Madagascar, spécifiquement la statuaire funéraire des Sakalava ainsi que d’autres réalisations. Il part des valeurs sociales liées notamment à l’apprentissage et au cycle de vie appréhendées selon trois axes fondateurs (p. 195-219) – un thème repris dans un ouvrage paru plus tôt (Goedefroit & Lombard 2007). Les représentations sculptées qui ornent les tombeaux et enclos funéraires malgaches montrent une grande variété et une imagination débordante au sein du monde austronésien occidental, elles expriment des thèmes similaires à celles de la statuaire du Vietnam Central (Jörai) et de Bornéo (Dayak), liés à la fertilité, au statut des défunts mais toujours avec humour. L’article présente en outre le sculpteur Rasidany et son travail. Il faut saluer dans ce texte l’utilisation extensive de la photographie qui permet d’analyser en détail les thèmes et les variations locales de la statuaire, avec les formes contemporaines jusqu’à « l’art d’aéroport » (tourist art). L’approche de la créativité à partir du discours mythique en rapport à la cosmogonie et à la cosmologie chez les Oksapmin des hautes terres de la Papouasie Nouvelle-Guinée (PNG) fait l’objet d’une exégèse pointue des textes oraux recueillis sur le terrain par L. Brutti. L’article est centré sur le complexe mythique de Yuan-ku, un esprit ancestral féminin à l’origine des rituels oksapmin, dont il dégage les invariants ainsi que la pertinence par rapport aux changements socio-économiques en cours (p. 277 sq.). Un long essai de J. Ivanoff intitulé « Quelle valeur pour quel art » pose des interrogations sur la société moken et le statut changeant des représentations rituelles qui comportent la réalisation de poteaux sculptés, d’effigies ancestrales en bois, de poupées cérémonielles à côté d’autres objets (maquettes de bateaux commercialisées, autels combinant des éléments de récupération, fleurs en plastiques, emballages, etc. ; photos 1-9). Il dégage les notions-clés de savoir, de transmission et de métissage en rapport à l’émergence de l’artiste et aux évolutions des Moken depuis grosso modo un siècle (p. 297-321). Il est complété dans la dernière partie du livre par un article de T. Léjardconsacré aux dessins d’enfants des Moken, qui éclairent l’appréhension d’une culture et d’un ethos particulier (p. 515-530). L’auteur prend pour point de départ des dessins d’enfants collectés par le célèbre photographe et ethnologue, Hugo Bernatzik en 1936-1937, sur la côte birmane (Myanmar). II contextualise ces dessins en rapport au changement récents de la société moken dans le sud de la Thaïlande. Léjard y ajoute des dessins d’enfants moken réalisés en 2013 – reproduisant ceux plus anciens, évoquant leur vie et le tsunami de décembre 2004. Je note une belle représentation d’un calao en vol – photo 3, dernière page du cahier central en haut –, la photo 4 montrant un oiseau au long bec ; le terme « toucan » n’est pas approprié dans ce cas. Traitant de l’adaptation de la culture moklen à différents milieux naturels sur l’île de Ko Phra Tong et de sa dimension esthétique, l’article de O. Ferrari suggère d’intéressantes pistes d’interprétation (p. 179-193). Mais on reste sur sa faim à propos de la culture matérielle moken/moklen telle qu’elle a été présentée dans le cadre d’une exposition à laquelle l’article de Léjard fait pourtant référence (p. 518 et 530). L’étude consacrée à l’artiste yoruba et son désir d’histoire du xixe au début du xxe siècle par la regrettée H. Joubert, pose des jalons dans l’approche de l’artiste non occidental intégrant en même temps des valeurs issues de la modernité (p. 383 sq.), une problématique qui se retrouve dans l’article de J. Samuel prenant pour objet les figures paradigmatiques du peintre-dalang – terme qui fait référence à un maître marionnettiste du théâtre d’ombres – et de l’ouvrier de l’art-shop dans le centre Java de circa 1900 jusqu’aux années 1980 (p. 417 sq.). Enfin, en rapport à l’enfance, la contribution de Ding Trong Hieu sur les figures en pâte de riz produites à l’occasion de la fête de la mi-automne au Vietnam, appelée aussi « fête des enfants », à la jonction du rituel et de l’esthétique. Elle nous fait découvrir une dimension inexplorée : les figures d’animaux et de végétaux à fonction prophylactique réalisés à cette occasion. Elles sont dotées d’un riche symbolisme, également rapporté aux teintes utilisées (les cinq couleurs qui « écartent le mauvais œil »). Il s’y ajoute des lanternes en papier de forme variées, dont certaines représentent des animaux. L’auteur intègre dans sa contribution une brillante synthèse des sources ethnographiques consacrées à la fête.

5Les notions utilisées par les différents auteurs, qui viennent d’horizons variés (ethnologues, sociologues, historiens, conservateurs, musiciens, etc.), mettent en regard les facettes multiples de la création artistique au sein des sociétés considérées. Ainsi les pratiques artistiques liées au recyclage, à la récupération et aux adaptations, sont également abordées. De nombreux travaux ont été consacrés aux expressions de la tradition orale d’un point de vue ethnographique, littéraire ou linguistique, mais dans ce volume ils sont placés dans une perspective plus large, à l’intersection de l’esthétique et de la perception (l’articlde de N. Revel sur les chants et épopées aux Philippines à partir des exemples palawan et sama diluât met en valeur la composition mémorielle accomplie par des orants ; l’article de Tran Quan Hai, sur le chant diphonique dans le monde fait le point sur les recherches à propos de ce phénomène vocal). Dans l’ensemble, les articles qui intègrent des analyses pointues selon un registre comparatif ajoutent une dimension supplémentaire à la simple description ethnographique : pour des raisons de place, je me limiterai aux quelques exemples ci-dessus.

  • 1 Dès cette époque, il faut relever les approches développées au sein du musée par Michel Leiris (art (...)

6Objet paradoxal dont le titre peut surprendre, riche et divers, l’ouvrage intègre dans le paysage anthropologique contemporain l’héritage du courant ethno-esthétique issue du Musée de l’Homme depuis sa création à la fin des années 19301, de l’ethnographie de terrain (Condominas & Hemmet 2006), avec des lectures novatrices des arts de la scène en une riche synthèse. Les allers-retours entre les disciplines et les aires culturelles au sein des six parties du livre sont féconds. Il faut revenir sur les conditions particulières de la réalisation de ce projet éditorial. Au départ, les communications provenant du colloque consacré à différents aspects des arts et de la culture matérielle ont coïncidé avec l’ouverture du musée du quai Branly à Paris (2006). Il s’y insérera, à la suite de longs débats au sein de la communauté anthropologique française (1996-2006) à propos des notions de contextualisation des arts ethniques, des choix dans la mise en valeur de l’objet et des traditions orales dans le cadre muséal (Dupaigne 2006, Sergent 2004). L’ouvrage fait le bilan de cette période qu’il convient maintenant d’analyser avec du recul. La présentation et l’article d’Annie Dupuis, replaçant les controverses de l’époque par rapport aux choix éditoriaux et à la thématique du volume, s’en font l’écho (p. 11-13, p. 37-48). Il faut ajouter que les notions de style et d’évolution historique au sein d’une tradition vivante sont traitées de manière approfondie par nombre d’auteurs. Cependant aucune contribution n’aborde directement la relation entre la muséographie autochtone et la création artistique, notamment mises en œuvre par le centre Jean-Marie Tjibaou (Nouvelle Calédonie), le Centre Culturel du Vanuatu (Port-Vila), ou encore les musées/centres de ressources ethniques aux Philippines (Nord-Luzon, Mindoro, Mindanao, etc.), des musées du Canada, par exemple le Musée d’anthropologie de Vancouver. L’ouvrage met plutôt l’accent sur la notion de processus de création et dégage la figure de l’artiste au sein de la communauté dans un monde post-moderne. Parallèlement, la contribution de A. Hémond centrée sur le Mexique autochtone (peuple Nahua), met en évidence la position d’artistes novateurs au sein d’un courant esthétique communautaire exprimant une identité culturelle spécifique (p. 349 sq.). Au-delà de l’exotisme ou de la contemplation esthétique, la relation entre les arts extra-européens et le tourisme, la patrimonialisation, dans les pays considérés, ne font pas l’objet d’études particulières, bien que plusieurs auteurs les mentionnent dans leurs contributions. Les arts dits « contemporains » en Afrique, en Asie ou en Océanie, ne sont pas vraiment considérés : il est vrai qu’ils s’articulent à des réseaux (curators, galeries, musées, magazines, etc.) au sein d’un monde globalisé via internet : sur ce point, voir les remarques de J.-H. Martin autour de l’exposition les « Magiciens de la Terre » (1989) et, considérer plus généralement l’ethnocentrisme en art (2012 : 31-58 ; Cohen-Solal & Martin 2014). A l’opposé du « Musée imaginaire » d’André Malraux, impliquant un paradigme universaliste à travers les arts et les époques (Malraux 2004), les articles soulignent la versatilité et la diversité des paramètres de la création artistique, les évolutions qui apparaissent au cours du processus historique de la production artistique, les influences réciproques. C’est dans ce cadre que « l’homme créateur » dépasse l’homme ordinaire au sein des sociétés, ce qui fonde aussi son identité.

7Pour conclure, il faut souligner la qualité de la mise en page et de l’impression du volume, des illustrations en couleurs – le cahier central avec 32 « planches » – s’ajoutant aux dessins et schémas insérés dans les articles. Il manque pourtant un index, qui aurait été utile pour la lecture transversale des thèmes abordés dans les 28 contributions, ainsi qu’un abstract anglais qui aurait permis aux lecteurs non francophones un accès plus aisé au contenu des articles. Le livre fera date car il s’agit du seul ouvrage collectif qui aborde les questions de fond liées à la créativité dans les arts traditionnels dans la perspective de la recherche anthropologique française.

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Bibliographie

COHEN-SOLAL, Annie, éd. ( avec la coll. de Jean Hubert MARTIN), 2014, Magiciens de la terre. Retour sur une exposition légendaire, Paris : Éditions Xavier Barral/Centre Pompidou.

CONDOMINAS, Georges & Chrisitine HEMMET, éd., 2006, « Nous avons mangé la forêt… » Georges Condominas au Vietnam (catalogue d’exposition), Paris : Musée du quai Branly/Actes Sud.

CORBEY, Raymond, Tribal Art Traffic. A Chronicle of Taste, Trade and Desire in Colonial and Post-Colonial Times, Amsterdam : Royal Tropical Institute, 2000

COUTE, Jeremy & Anthony SHELTON, ed., 1994, « Introduction », in Anthropology, Art and Aesthetics, Jeremy Coute & Anthony Shelton, ed., Oxford : Clarendon press, p. 1-11.

DEBAENE, Vincent, 2010, L’adieu au voyage, Paris : Gallimard, coll. « Bibliothèque des Sciences humaines ».

DUPAIGNE, Bernard, 2006, Le scandale des arts premiers. La véritable histoire du musée du quai Branly, Paris : Mille et une nuits.

GOEDEFROIT, Sophie & Jacques LOMBARD, 2007, Andolo. L’art funéraire Sakalava à Madagascar, Paris : IRD/Adam Biro.

MALRAUX, André, 2004, Écrits sur l’art. Vol. 1. Tome IV Œuvres complètes, Encyclopédie de la Pléiade, Paris : Gallimard.

MARTIN, Jean-Hubert, 2012, L’Art au large, Paris : Flammarion.

RHODES, Colin, 1997, Le Primitivisme et l’art moderne, Paris/Londres: Thames and Hudson (traduit de l’anglais).

RUBIN, William, 1984, Primitivism of 20th Century Art: Affinity of the Modern and the Tribal, New York : Museum of Modern Art.

SCHEFOLD, Reimar & Han VAN VERMEULEN, 2002, Treasure Hunting. Collectors and Collections of Indonesian Artifacts, Leyde : RVV.

SERGENT, Bernard, 2004, La guerre à la culture. La logique marchande et les attaques contre l’intelligence, Paris : L’Harmattan, coll. « Questions contemporaines ».

SMIDT, Dirk & Peter TER KEURS, ed., 1990, The Language of Things, Studies in Ethno-Communication, Leyde : RVV.

THOMAS, Nicolas, 1991, Entangled Objects. Exchange, Material Culture and Colonisation in the Pacific, Cambridge (Mass.): Havard University Press.

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Notes

1 Dès cette époque, il faut relever les approches développées au sein du musée par Michel Leiris (arts plastiques, littérature, ethnographie, transe et possession, etc.), André Leroi-Gourhan (arts décoratifs, culture matérielle, techniques, etc.), et plus tard dans les années 1950, celles de Claude Lévi-Strauss (symbolisme et représentations esthétiques, mythes, etc.), qui ont abordé la création artistique et les phénomènes culturels associés selon différents points de vue (voir Debaene2010 : 1-145, 420-521).

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Pour citer cet article

Référence papier

Antonio Guerreiro, « Ethnocentrisme et Création, Annie Dupuis, éd. (avec la collaboration de Jacques Ivanoff) », Moussons, 27 | 2016, 176-180.

Référence électronique

Antonio Guerreiro, « Ethnocentrisme et Création, Annie Dupuis, éd. (avec la collaboration de Jacques Ivanoff) », Moussons [En ligne], 27 | 2016, mis en ligne le 23 mai 2016, consulté le 17 août 2017. URL : http://moussons.revues.org/3595

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Auteur

Antonio Guerreiro

Anthropologue et muséographe, membre de l’ICOM-France.

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